Musiques de l'an II

Ce blog traite de musiques plutôt anciennes. Assumons cette position jusqu'au bout.

 

Entre les musiques préhistoriques, où ne sont connus que quelques instruments, et les médiévales, dont certaines sont jouables quasi à l'identique, il y a celles que l'on pourrait nommer « antiques ».

Ce temps ancien, qui couvre tout de même quatre bons millénaires, nous a laissé suffisamment d'archives pour documenter les pratiques musicales de nombreux peuples : instruments, gravures, peintures, textes d’époque, représentations de performances et même des « partitions ».

Avec ces quelques fragments épars de notations déchiffrables, qui ont miraculeusement survécu, il est possible d'interpréter des pièces musicales archéologiques.

 

Découverts dans les années 1950, gravés en écriture cunéiforme sur des tablettes d'argile extraites de l'ancienne cité d'Ougarit en Syrie, les Chants Hourrites (1400 av. JC) contiennent la plus ancienne mélodie connue. Cet hymne dédié à Nikkal, la déesse du verger est ici interprété par l'ensemble De Organographia (2006) :

 

En Ancienne Égypte, il n’y avait pas de système de notation musicale. Par conséquent, aucune mélodie n’est connue. Les vestiges archéologiques abondent : des peintures murales et des bas-reliefs dans les tombeaux, des vestiges d'instruments, des inscriptions papyrus et des textes destinés à être chantés, hymnes pour les dieux ou pour les morts, chansons de fêtes ou pour toutes sortes d'occasions.

Instruments utilisés : percussions, cymbales, lyre et luth.

 

Sans partition, les archéo-musicologues ne peuvent donc que proposer des reconstitutions, id est des compositions actuelles avec instruments d'époque reconstitués.

 

C'est du côté hellénique, que se trouve l'essentielle de la musique antique pour laquelle nous disposons de plus d’informations, grâce à quelques fragments partitions.

La musique semble toujours y être liée à la poésie et embrasse tous les genres : chanson d'amour, chant choral, tragédie, et comédie antique qui comportait, danses, strophes chorales et ensemble de chœurs. Elle joue un rôle très important dans la vie publique et privée au point d'en devenir une institution d'État. Mariages, funérailles, cérémonies en tous genres, s'accompagnent de festivités musicales.

Instruments utilisés : à cordes pincées (lyre, cithare, barbiton, epigonion, pandoura), à vent (aulos, syrinx, salpinx, kohlos), orgues (hydraulos)  et percussions (cymbales, crotales, tympanon, sistres).

Voici l'Épitaphe de Seikilos (Ier ou IIe siècle), découverte en 1883 sur une colonne de marbre en Asie mineure, avec texte et notation. Interprétée ici par Petros Tabouris (1992) :

 

 

 

Ou encore les Hymnes Delphiques À Apollon (138 et 128 av. J.C), découvertes en 1893 sur des fragments du mur sud du trésor des Athéniens à Delphes. Probablement composés pour les Jeux Pythiques et interprétée ici par l'ensemble Kérylos dirigé par Annie Bélis (1996) :

Interprétation d'originaux par Atrium Musicae de Madrid (2000) :

 

Une reconstitution par l'ensemble Melpomen (2006) :

Bien que tous les chemins mènent à Rome et malgré une plus proche proximité temporelle et culturelle de l'antiquité romaine, sa musique de bien moins connue que la grecque.

 

Instruments utilisés : à vent (tuba, buccin/cornu, tibia, ascaule), à cordes pincées (lyre, cithare) et percussions (sistre, tambours, tambourins).

Une reconstitution par Synaulia (2002) :

 

 

Sources / pour aller plus :

Gellius, Archeologie experimentale : la musique grecque antique retrouvée (2011)

Fabricio Cardenas, Musique de l'Égypte antique (2013)

Guillaume Trémolières, La musique de l’Antiquité (2013)

Laure Cailloce, Sur un air de musique antique (2017-2022)

Mazereau, Melodia Antiqua: Originaux antiques et reconstitutions

 

Bonus :
 
A la recherche de la musique de l'antiquité (Bernard George, 2021) :

 

Opéra des Dieux

Voici quelques vieux numéros de l'Opéra des Dieux (émission littéraire et musicale de Radio Campus) sur certains livres :

- The Dark Stuff : L'envers du rock de Nick Kent (2006)

- Les 69 Tribus du Rock de Marc-Alexandre Millanvoye & Tania Bruna-Rosso (2007)

- Au-delà du Rock d'Eric Deshayes (2007)

- Musiques expérimentales de Philippe Robert (2008)

- Great Black Music de Philippe Robert (2008)

- Révolution musicale de Guillaume Ruffat (2008)

Et pour ceux qui se poseraient la question, voici les morceaux utilisés lors du générique de l'émission :

Glass Onion

Chanson auto-réflective des Beatles sortie le 25 novembre 1968 sur le White Album.

Ecrite par John Lennon en réactions aux tentatives d'analyse et de recherche de significations cachées dans la musique des Beatles par les fans et les critiques.

Donnant l’apparence d’un deuxième niveau de lecture, se moquant de cette obsession de la surinterprétation et de théorisation, il s'amuse à disséminer des clin d'œil à plusieurs grands succès du groupe :

I told you about strawberry fields

I told you about the walrus and me, man

Lady Madonna trying to make ends meet, yeah

I told you about the fool on the hill

Fixing a hole in the ocean

En 1967, après avoir appris que les chansons du groupe étaient analysées par des étudiants, Lennon répondit à propos de son écriture :

I do it for me first...Whatever people make of it afterwards is valid, but it doesn't necessarily have to correspond to my thoughts about it, OK? This goes for anyone's 'creations,' art, poetry, song etc. The mystery and shit that is built around all forms of art needs smashing anyway.

En 1970, sur Glass Onion plus spécifiquement :

I threw the line in - "the Walrus was Paul"- just to confuse everybody a bit more. ... It could have been "the fox terrier is Paul". I mean, it's just a bit of poetry. I was having a laugh because there'd been so much gobbledygook about Pepper - play it backwards and you stand on your head and all that.

Et avec l'expression « oignon de verre » véhiculant à la fois les idées de transparence et de couches multiples.

So You Want to Be a Rock 'n' Roll Star

Chanson métapop des Byrds sortie en single le 9 janvier 1967.

 

So you want to be a rock and roll star?
Then listen now to what I say
Just get an electric guitar
Then take some time and learn how to play

 

Un regard sarcastique, mais assez bon enfant, sur l'ambition et le succès des jeunes groupes de rock. Les paroles se moquent des formations comme les Monkees, manufacturées et assemblées avant même que leurs membres ne sachent réellement jouer de leurs instruments.

And with your hair swung right
And your pants too tight, it's gonna be all right
Then it's time to go downtown
Where the agent man won't let you down

Le single aviaire est probablement un des plus vieils exemples de pop anti-pop, témoin d'une certaine inquiétude face au devenir du rock en une usine à tubes et stars.

Sell your soul to the company
Who are waiting there to sell plastic ware
And in a week or two if you make the charts

The girls'll tear you apart

Dans Dialectique de la pop (2018), Agnès Gayraud affirme que cet arrière-goût amer tient à l'heureuse et vicieuse convergence entre un art qui place toute sa confiance dans l'incarnation et l’intérêt d'une industrie qui vend à tour de bras de la « personnalité ». Et ces commodités comptent finalement davantage que la musique dont elles ne sont plus que le prétexte.

L'esthétique pop vise certes la popularité qui rend ses représentants célèbres, mais cette célébrité trahit quelque chose de l’incarnation pop : elle rend substantiel ce qui dans le génie démocratique tenait à des intermittences. (...) A la fin, l'originalité n'en est plus que l'accessoire reconnaissable et dispensable d'une personnalité.

Roger McGuinn précisa finalement quelques années plus tard : 

In fact, it isn't as bitter as that. We were thumbing through a teen magazine and looking at all the unfamiliar faces and we couldn't help thinking: "Wow, what's happening … all of a sudden here is everyone and his brother and his sister-in-law and his mother and even his pet bullfrog singing rock 'n' roll." So we wrote "So You Want to Be a Rock 'n' Roll Star" to the audience of potential rock stars, those who were going to be, or who wanted to be, and those who actually did go on to realize their goals.

A noter que Michael Nesmith des Monkees avait écrit (avant le casting) une chanson de rupture, où l'un des partenaires choisit la liberté et l'indépendance, et qui peut être lue sous un angle métapop. Voici la version tubesque par The Stone Poneys (september 1967).

Sources / pour aller plus loin :

Simon Reynolds, The Spirit of Radio: Songs About Songs (2022)

Racines avant-garde du Psyché

Note sur l'influence des musiques modernes avant-gardistes dans le psychédélique.

Après avoir évoqué les racines jazz et indiennes, il convient maintenant de citer quelques courants de musiques dites « savantes » ou « contemporaines », qui ont offert au psyché une certaine technologie au service du dérèglement des sens.

Des musiques concrète et électroacoustique : enregistrements environnementaux, montages sur bande magnétique et bruits utilisés en studio pour créer de nouveaux paysages sonores.

Des musiques minimaliste et électronique : compositions basées sur des boucles hypnotiques et des motifs répétitifs pour rappeler la trance.

Quelques noms cités par les Beatles, Beach Boys, Pink Floyd, Soft Machine ou encore Frank Zappa :

 

Dans cette interview,  Philippe Robert propose une intéressante analogie :

Dans le cinéma, les frères Lumière et Méliès ont chacun ouvert une voie : les premiers, celle de la prose et donc d’un certain réalisme ; le second, celle de la poésie, de la magie. De la même manière, tu peux raconter la musique du XXe siècle en partant des enregistrements de terrain des Lomax (ils seraient les Lumière de la musique) et de L’Art des bruits futuriste de Russolo (un équivalent de Méliès en quelque sorte) : les premiers débouchent sur l’idée de « singer-songwriter » chère au folk-rock ; le second sur les musiques psychédéliques abstraites, électroacoustiques, industrielles, etc. 

Voir également la note sur la musique électronique et psyché de la fin des années 60.

Sources / pour aller plus loin :

Edwin Pouncey, Fables of the deconstruction (1999)

Philippe Robert, Musiques expérimentales (2014)

David Rassent, Rock psychédélique (2017)

retrofuturista, 20 tracks that set the stage for psychedelic rock (2024)

Protest songs

Note qui proteste en chansons.

Les sixties sont largement considérées comme l'âge d'or de la musique contestataire. Il s'agit indéniablement une période d'intense activisme, autour de diverses causes allant des droits civiques aux mouvements anti-guerre.

Bien que les communautés hippies épousaient le modèle du socialisme utopique du siècle précédent, la politisation n'était pas une de leurs priorités. Les consciences politiques se développèrent en réaction à l'actualité et s'intensifia suite à la répression violente de manifestations et émeutes. Les musiciens emboitèrent le pas.

La contestation musicale trouvait sa source dans les protest songs du folk des années 40, avec Woody Guthrie et Pete Seeger. La pratique fut déblayée et popularisée par les figures engagées du revival folk pour qui la chanson est un symbole de résistance artistique.

Les paroles reflétaient surtout le fossé des générations, les incertitudes de l'époque et une méfiance croissante envers l'autorité dans une société devenant de plus en plus polarisée.

Voir la note sur chansons en opposition à la Guerre du Vietnam. 

A côté des marches, des sit-ins et des slogans idéalistes, certains prirent des positions politiques plus radicales, pointant directement le capitalisme, la lutte des classes, l'aliénation et la répression. Appelant même à l'insurrection voire à la révolution.

 

Dans les limites de l'exercice pop, évidemment.

Le début des années 70 sonna le glas de la contestation en chanson, amorçant une lente anesthésie politique. Jusqu'au militantisme alternatif du punk et du postpunk.

Voir sur Wavelength Lab, la note sur les tendances politiques de l'après-punk.

 

 

Sources / pour aller plus loin

 

Yves Delmas & Charles Gancel, Protest Song : la chanson contestataire dans l'Amérique des sixties (2005)
Julien Demets, Rock & politique: l'impossible cohabitation (2011)
Guillaume Ruffat, Révolution musicale: 1967-1969, de Penny Lane à Altamont (2015)
David Rassent, Rock psychédélique (2017)

Spécial Kaye

Évoquons la bassiste la plus influente de la pop et du rock.

Issu du jazz, Carol Kaye est devenue au plus fort de ses années de travail en session, membre d’une écurie légendaire de musiciens de studio basée à Los Angeles, surnommée a posteriori le Wrecking Crew. Jouant sur une bonne dizaine de milliers d'enregistrements sur plus de six décennies, cette virtuose versatile fut l'ambassadrice de la basse électrique, qu'elle adopta à partir de 1963, de la pop à la soul, de la Motown à Hollywood.

Voici quelques une de ses participations collant à la thématique du blog. 

Brian Wilson : "The best damn bass player in the world."

Paul McCartney : "Pet Sounds was my inspiration for making Sgt. Pepper. I was really blown away with how clever it was and how intriguing the arrangements were. There’s a very interesting bass, it’s always nearly an off beat."

Sting : "Carol taught me more about the bass than is decent."

Peter Hook : "There was this woman bassist in the Motown house band called Carol Kaye. In this song, you hear her over the beginning, fantastic, a very musical bassline. I spent years trying to emulate it, but I was never that good at it."

"Remember to practice a little every day -- that's crucial."